漫画　　徐鹏飞

　　从未有一个优秀的戏曲演员是以轻视传统而成功的，但同时，他们往往也在小心翼翼寻找并放大着自己的艺术个性，来取得观众的审美认同

　　有人提出，西方的许多经典艺术，如芭蕾舞、古典歌剧，并未把创新当作生存的利器，却依旧保持着鲜活的生态。那么，问题就来了：戏曲需要创新吗？到底应该如何“创新”？

　　纵观戏曲发展史，继承与创新多为并行双翼，很少成为制约戏曲发展的两难困境，真正能够引发生存危机的话题是“雅”“俗”之别。通常，一种声腔或戏曲多兴起于民间，壮大于城市和文人笔下，过俗难登大雅之堂，影响有限；过雅，则将失去大多观众。

　　昆曲便有这样的教训。明末清初，人山人海的“虎丘曲会”、才人辈出的“苏州派”剧作家，与众多文人才子一起塑造了昆曲的璀璨景象。之后，更贴近百姓口味的花部诸腔盛行，昆曲未能及时调整身段，民间一端力量渐弱，致使整个剧种失去生气。

　　因而，戏曲艺术总有大众化的渴望，在与当下观众的碰撞与交流中保持自己的生机与活力。即使在审美品位上保持着士大夫的雅致与中国古典美学的深沉意境、以精英文学作为支撑的昆曲，依然有切入现实与火热话题的传统，许多剧目可通过丑角或花旦，以“现挂”的方式，增强着观众观剧的现实存在感。更何况始终生存于民间的地方戏，众多剧种、声腔与剧团以及数量更多的从业者，对当下观众的审美兴趣始终有着强烈的敏感。有些剧种也许在声腔和语言上保持着自己一定的特点，技艺与表演手段上也会有一些绝活特长，但更多的情况是，许多地方戏，拥有中国戏曲共有的手段和美学表达，通过“接地气”的形式和内容，获得自己的生存和发展。在生活方式和文化语境不断改变的今天，刻意让地方戏曲保持“不动”，与现实环境脱节，势必会让众多小剧种彻底成为博物馆一幅幅静态画帧，成为远离现代生活的记忆碎片。